La música que me gusta. Sin etiquetas: aquí se mezclan la clásica, el jazz, la new age, el rock,... El denominador común es la calidad y la emoción. Un espacio para descubrir grandes olvidados, clásicos poco populares y tesoros escondidos.
Que lo disfrutéis.
Aunque muchos de vosotros nos seáis unos frikis como el que suscribe, seguro que en los últimos meses no habéis evitado oír o ver noticias sobre la serie de moda "Juego de tronos", basada en la serie de novelas "Canción de Fuego y Hielo" de George R.R. Martin.
No pretendo abduciros para que os hagáis fans de la serie o de las novelas, pero sí que le echéis un vistazo a la estupenda banda sonora compuesta por Ramin Djawadi, un interesante compositor que ya ha llamado la atención en el mundo del cine y la televisión con sus trabajos para series como Prison Break o Person of Interest y películas como Furia de Titanes o Hotel Transilvania.
En la partitura de esta serie, Djawadi compone música evidentemente efectiva para la acción, con un trasfondo de música medieval. No son obras maestras pero funcionan muy bien con la imagen y con los personajes de la serie. Algunas piezas tienen entidad propia fuera de la serie. Os pongo dos de las que más me gustan: el tema principal y las "lluvias de Castamere":
La imagen que se tiene del violín es como instrumento clásico, debido sobre todo a su imparable expansión desde los siglos XVI y XVII convirtiéndose en el centro de la orquesta y de muchos conjuntos de cámara. La versatilidad del violín, su amplio rango dinámico y su expresividad lo hacen adecuado tanto para instrumento de conjunto como solista.
Sin embargo, su evolución "clásica" ha ido paralela a su uso en otro tipo de música. Desde la música popular (el fiddle irlandés), músicas de la India o China, el jazz (recordadme que le tengo que dedicar una entrada al gran Stephane Grapelli) o el country americano.
¿Pero, y el rock?. Bueno, pues tenemos varios ejemplos interesantes como los Jefferson Airplane, la Mahavishnu Orchestra o the Velvet Underground. en los que básicamente el violín aparece como acompañante o para hacer los solos. Otros músicos y grupos han usado el violín (o secciones de cuerda) en sus canciones, como parte del acompañamiento. Muchas veces los violines eléctricos pueden sustituir o complementar a los solos de guitarra.
¿Y tocar rock con el violín?. Pues todo es posible, aunque aquí ya hablamos de experimentos. Básicamente se trata de músicos que hacen versiones de clásicos del rock usando el violín. Un ejemplo es David Garrett o violinistas famosos como Joshua Bell o Ara Mailikian que le pegan a todo. Otro ejemplo es este curioso dúo que me han recomendado en internet (gracias, Lothar): the duelling fiddlers. Una pareja de violinistas - exhibicionistas que usan todas las posibilidades del violín para emular a una banda de rock. El resultado es, cuanto menos, curioso y muestra que la apertura de mentes es muy importante para hacer música y que encasillar o clasificar a veces conduce a errores de bulto.
Escuchadlos destrozando los arcos con esta versión del "Black in Black" de los ACDC (volumen alto y pantalla completa).
Hay compositores de una sola obra: el adagio de Albinoni, el canon de Pachelbel, el concierto de Aranjuez de Rodrigo,... Esto es claramente injusto ya que se olvida y oscurece otras muchas piezas que podrían ser muy interesantes, y que han quedado a la sombra de aquella obra maestra que ha hecho que un autor de segunda fila pase al Olimpo de los inmortales...
Pues bien eso es lo que me pasa a mi con Rheinberger. Para mi este compositor, nacido en el principado de Liechtenstein en 1839, está asociado con una sola pieza el Abenlied. Y esto si que es muy personal, ya que, pese a ser un autor muy poco conocido, la crítica y sus seguidores lo que destacan es sobre todo su monumental aportación a la música para órgano. También compuso sinfonías, música de cámara y obras corales (sobre todo religiosas) en las que también se la ha reconocido talento y sensibilidad.
Pues nada, pese a haber escuchado bastante música de este compositor, mis oídos vuelven constantemente hacia el Abenlied, una pieza para coro a capella, de una sencillez extrema, pero extraordinariamente bien hilvanada, con una estructura romántica pero a la vez cristalina. Música que se disfruta tanto cantando como escuchando.
El texto (bíblico) repite la frase "Bleib bei uns, denn es will Abend werden und der tag hat sich geneiget” (Quédate con nosotros, que está cayendo la tarde y el día se acaba). La pieza forma tarde un ciclo de tres canciones: Morgenlied (canción de la mañana), Hymne (Himno) y Abenlied (Canción de la noche).
Os pongo esté enlace para que la oigáis y sigáis la partitura. Es una pieza muy corta pero intensa:
Si dedico una entrada a John Coltrane no voy a descubrir nada nuevo para mucha gente. Para otros puede que sí. En cualquier caso estamos hablando de uno de los monstruos del Jazz y de la música con mayúsculas.
En primer lugar vivió en la época y el lugar adecuados, viendo pasar la mayoría de las tendencias clave del jazz: desde el bebop al cool, pasando por todas las vanguardias que uno se pueda imaginar (free jazz o hard bop, por ejemplo). Y es que coltrane fue un experimentador nato, un culo de mal asiento que no podía permanecer en el mismo sitio durante mucho tiempo. Es por ello que encasillarle es harto difícil ya que su sonido va buscando continuamente nuevas formas y maneras, tanto componiendo melodías propias como haciendo versiones de los estándar.
Un ejemplo de versiones de temas clásicos (y no solo del jazz) son Greensleeves (la famosa melodía medieval inglesa) y My Favorite Things (¿quien no recuerda esta canción de "sonrisas y lágrimas"?). Buscad primero (los que no las conozcáis) las versiones estándar y luego escuchad estas versiones de Coltrane. La forma de exprimir la melodía hasta sus límites pero siempre dentro del espíritu de la música es increíble, por no hablar de las acrobacias de virtuoso que hace con el saxo. Alucinante.
Sin duda su disco más afamado es "A Love Supreme". En esta obra, totalmente enlazada, se mezcla la experimentación con la búsqueda de un sonido puro y, sobre todo, la espiritualidad (o la búsqueda de la trascendencia a través del sonido). Vale la pena que escuchéis el álbum completo, aunque solo cuando tengáis tiempo para estar tranquilamente sentados y sin otra actividad (no es recomendable para oír mientas friegas, vamos). Para muestra, el primer corte "Acknowledgement".
Por último, una faceta en la que Coltrane muestra su especial sensibilidad es en las baladas. Aquí se aleja un poco de la experimentación y profundiza más en el sentimiento de las piezas. Los matices, la dinámica y el fraseo siempre van en favor de la melodía. El saxo aquí puede sonar dulce, desgarrado, suave o intenso. Os recomiendo precisamente el album titulado "Ballads". Espectacular.
Está claro que el pueblo checo tiene una especial afinidad con la música. En ningún otro sitio vas a encontrarte tantos músicos (profesionales y aficionados) por metro cuadrado que en la República Checa. La pasión por la música es evidente, por ejemplo, en Praga se percibe desde los rincones de las calles hasta los numerosos auditorios y salas de conciertos. En Praga, no en vano, pusieron a Mozart en un altar y estrenaron varias de sus sinfonías (y su Don Giovanni) cuando el resto del mundo le daba la espalda.
Sin embargo, los compositores checos están, incomprensiblemente, fuera de la primera división. Alemania y Austria dominan el panorama con frecuentes incursiones Francesas e Italianas, dejando fuera a compositores que merecerían un destino mucho mejor. Conocemos a Dvorak, y especialmente su sinfonía del nuevo mundo y el Modava de Smetana, pero poco más. Sin embargo hay mucho por descubrir en nuestros lares de estos músicos y de otros menos conocidos.
La relación con la melodía es particularmente espectacular. Brahms decía que cambiaría toda su música por una sola melodía de Dvorak. Esto es un poco exagerado viniendo de este monstruo, pero la verdad es que los músicos checos tienen una especial habilidad para crear melodías intrincadas y complejas pero a la vez familiares y accesibles.
Esto es lo que le pasa al compositor al que le dedico esta entrada: Bohuslav Martinů. Se trata de un compositor relativamente contemporáneo (murió en 1959) pero cuya música presenta una progresión melódica, armónica y rítmica verdaderamente irresistible, y por supuesto 100% checa.
Bohuslav Martinů
La música de Martinu es a la vez accesible (siempre dentro de la tonalidad) pero a la vez compleja: con numerosas modulaciones armónicas, sutiles cromatismos y gran variedad rítmica. Como muchos de sus contemporáneos, se interesó por el Jazz, y eso se nota en algunas de sus composiciones, como por ejemplo, la suite de Jazz o este Foxtrot un poco gamberro (y con aires de acompñanamiento de película muda):
Sin embargo, sus mejores obras son las que se destilan los grandes y profundos desarrollos armónicos y melódicos: sus sinfonías, el segundo concierto para violín, o los frescos de Piero de la Francesca. Aquí os dejo algunos ejemplos de cada uno de ellos:
El principio de la psicodelia, el exotismo y la experimentación son parte también del nombre del "sueño de la mandarina", o por su nombre original, los alemanes Tangerine Dream. A finales de los 60 Edgar Froese, junto con otros músicos, formó esta banda pionera de la música electrónica y poseedora de un sonido muy particular que, mezclando el uso de sintetizadores con los instrumentos propios de una banda de rock, marcó tendencia en diversos estilos, como el ambiental, new age, tecno, etc.
Aunque ha cambiado mucho de componentes, y el estilo se ha ido adaptando a los tiempos, la música tiene un estilo "tangerine" fácilmente identificable: con períodos de de intenso ritmo, pasando por otros estáticos y de armonías cambiantes, hasta ciertas piezas una estructura cíclica y el uso de solos de guitarra al estilo de Pink Floyd o Mike Oldfield (cuyas influencias mutuas son indudables).
Los primeros discos son puramente electrónicos, con temas muy trabajados (y a veces enrevesados) y de duración muy larga. Melodías, armonías y ambientes surrealistas definen a albums como Alpha Centauri o Atem (no os pongo extractos porque son verdaderamente psicodélicos, aunque los podéis encontrar con facilidad en Youtube o Goear).
Su época más famosa fueron los "Virgin years", años de explosión creativa pero todavía con música muy ambiental y muy poco comercial. Rubycon o Phaedra son buenos ejemplos de esa etapa. Hay mucha música de fondo (o para acompañar a un porro), pero también melodías acertadas y ritmos obsesivos.
Después siguieron diversas etapas alternando lo comercial con lo puramente piscodélico. También han estado metidos en música de cine y series, para las que su música a veces encaja como un guante. La verdad es que su producción discográfica es enorme (tanto que a veces cuesta mucho separar el grano de la paja). Actualmente, después de más de 40 años todavía siguen en activo, dando conciertos y grabando discos.
A mi uno de los discos que más me gusta de este grupo es Optical Race, publicado en 1988. La verdad es que es bastante comercial y a veces cansa un poco (como toda su música por otro lado), pero contiene melodías muy inspiradas y esa combinación entre música electrónica y rock (con magníficos solos de guitarra).
Dos temas que vale la pena oír de este disco son:
Sun Gate (vedla en este montaje entre evocador y hortera que he encontrado en Youtube)
Tengo una especial obsesión por este compositor inglés. Y la verdad es que si lo miro desde la fría distancia puedo pensar "no es para tanto"... Vaughan Williams, dentro de la música del siglo XX no fue ningún innovador, no rompió ninguna norma, no descubrió ningún lenguaje nuevo,... y sin embargo...
Sin embargo su música siempre ha tenido algo que me ha fascinado... quizá sea los colores de la orquesta, evocadores del paisaje y las tradiciones inglesas. O las sutiles disonancias dentro de un paisaje tonal, que crean tensiones allí donde parece que todo es paz y armonía. O quizá sean las melodías, transformadas de la música popular en compleja creación que siempre mira hacia sus raíces...
En fin, que durante muchos años he ido explorando a este compositor muy poco conocido en España, aparte de sus piezas más famosas como Greensleeves o la Fantasía sobre un tema de Thomas Tallis.
Aquí tenéis una de sus más bellas melodías, el tercer movimiento de su 5ª sinfonía. Totalmente evocadora de las suaves y verde colinas de Inglaterra, pero con multitud de tensiones internas (fue compuesta en 1945, ante un mundo al borde del Apocalípsis).
Otra de las músicas que más me impresionan, dentro de sus monumentales 9 sinfonías, es el arranque de la 6ª. Necesita un oído quizá más preparado, pero la música engancha desde el principio por su nervio, tensión y energía.
Ernest Chausson fue otra de las muchas promesas truncadas. Otro de los que pudo haber sido grande pero se quedó en las puertas. Cuando empezaba coger velocidad en la composición y su obra empezaba a tomar personalidad, se estampó contra un muro (literalmente) a los 44 años de edad y allí se acabó todo...
La obra de Chausson es de un romanticismo elegante y a la vez apasionado. Muy influenciada por Wagner pero también por otras corrientes de principios del siglo XX como el simbolismo.
Algunas obras verdaderamente interesantes a escuchar de este músico son la sinfonía op 20, el poema para violín y orquesta, el poema del amor y el mar, u otras obras orquestales como Viviane o Soir de Fete.
Aquí podéis escuchar el maravilloso Poema para violín. Música a mi entender sublime: desgarrada, pero contenida, romántica pero clásica. En esta versión está impecablemente tocada por Vadim Repin.
Aunque en el campo del jazz vocal ha habido siempre una competencia durísima, para mi Sarah Vaughan es la reina absoluta. Por un lado está la parte técnica: su control de la voz era impresionante (la respiración, los graves potentes, los agudos sensibles, un vibrato alucinante y muy, muy controlado,...). Por otro lado, la sensibilidad musical era extraordinaria. Así como otros cantantes tienen "su estilo" y son claramente reconocibles canten lo que canten, Sarah Vaughan era capaz de fundirse con el tema que estaba interpretando.
Os pongo algunos ejemplos que me gustan mucho:
El Summertime de Gershwin (fijaos en el vibrato al final de cada frase y en el rango de graves y agudos):
El rock progresivo siempre me ha gustado por su capacidad para la experimentación, por no tener miedo dejar de lado la voz en favor de los instrumentos y también por su búsqueda de ideas e influencias en otros géneros como el jazz, el blues, la música clásica o el folk y la new age.
Supertramp, Yes, Camel, Pink Floyd, la ELO, fueron los grandes pioneros. En los años 90 decayó, pero ahora está cogiendo de nuevo relevancia gracias a grupos como "Liquid Tension Experiment", "Blotted Science", "Scale the Summit", etc.
Aquí os dejo un ejemplo de Raz Ben Ari, un guitarrista israelí muy interesante:
Nikolai Miaskovski (como buen ruso, su apellido la veréis escrito de mil maneras: Myaskovski, Miaskovsky,...) fue un compositor que, como Shostakovich, pasó buena parte de su período compositivo dentro del régimen de la Unión Soviética. Este hecho le causó numerosos quebraderos de cabeza, tanto en el plano personal como en el musical. Esto se refleja, por supuesto, en su música que oscila desde lo grandioso-banal propio de lo que esperaba el régimen y otro estilo mucho más personal y libre (aunque nunca sin salirse de los cánones del post-romanticismo).
Es en este último ámbito donde podemos encontrarnos con verdaderas joyas musicales, todavía prácticamente desconocidas y muy poco interpretadas. Los últimos cuartetos de cuerda, las sinfonías 6, 21 y 27, el poema sinfónico "Silencio" o el concierto para violonchelo son ejemplos destacados y realmente bellos.
En estas obras, la música de Miaskovski se caracteriza por una polifonía cristalina, un discurso fluido (no exento de tensiones) y claras referencias al paisaje y la naturaleza rusas.
En el mundo de los compositores aficionados la música se escribe más con el corazón que con la cabeza.
Muchas veces la técnica es limitada, pero las ganas, las ilusión y la emoción suplen la falta de recursos.
Es el caso de mi buen amigo Jacob, con el que comparto mi pasión por la musica, tanto cantando cómo últimamente haciendo dúos con el violín y el el chelo.
Pues bien, en base a una melodía que compuso hace tiempo para su hija, Jacob ha arreglado un pequeño cuarteto de cuerda que hemos tenido el placer de poder estrenar gracias al apoyo de dos excelentes músicos y personas cómo son Vicent Romero y María Carrión, profesores de la Societat Musical de Alboraya.
El resultado, a mi modo de ver ha resultado excelente, tanto por la música como por la experiencia de tocar en grupo.
Aquí podéis ver el vídeo de la grabación del estreno:
De tiempo en tiempo vuelvo a Kind of Blue, el mítico álbum de Miles Davis, y la verdad es que nunca me canso de escucharlo. Dicen que cambió la historia del jazz, que resultó un punto de inflexión para todo lo que se hizo después, que sus influencias llegan hasta los Beatles,... pero la verdad es que es difícil explicar el fenómeno.
1959: En una sola sesión de grabación, con un material mínimo de partida, entró Miles Davis con un grupo de acompañantes de lujo (entre los que se encontraban John Coltrane, Cannonball Adderley o Bill Evans) todos ellos en estado de gracias y con una sincronización impresionante. De allí salió un álbum con varias piezas interconectadas, originales, que dan la sensación de obra completa, no de conjunto de canciones.
La música es reposada, pero con mucha tensión. La melodía es evanescente, entra y sale sin que te des cuenta. Las armonías modales y progresivas crean un ambiente que invita a dejar lo que estés haciendo y concentrarte en la escucha.
En definitiva, un placer para el oído...
En internet hay varios sitios donde podéis escuchar todo el álbum. Yo os he seleccionado este enlace con el primer corte "So what". Una pasada...
Para un músico aficionado, cantar el Requiem de Mozart es como un punto de inflexión. Además de espectacular y difícil (un reto) la experiencia de integrarte con una gran orquesta y solistas en una obra como esta es realmente apasionante.
Y que se puede decir del Requiem de Mozart. Obra póstuma del mayor genio de la música. Testamento inacabado con el que presagia su propia muerte. Envuelto en la leyenda. Con una música que se traspasa su propia época y se adentra en el romanticismo...
He tenido la suerte de cantar el Requiem de Mozart varias veces, con diferentes orquestas y siempre volver a cantarlo es una pasada. Aquí os dejo un extracto del que canté con el coro Alameda de Valencia en la catedral de Segorbe.
Después, la vida me ha llevado del "cante" al "toque" que me ha dado la oportunidad de tocar esta maravilla dentro de una orquesta. Aquí os dejo una de las representaciones. En la lista de reproducción podéis ver la obra completa o seleccionar cualquier fragmento.
